#MunichJewelleryWeek2017 – EXPO (9) – ‘Off The Shelf’ / Central Saint Martins – Vitsoe, Munich (DE) – 4-14 Mars 2017

(9) Off The Shelf

work by staff and students of Central Saint Martins, BA Jewellery Design course.

Off the Shelf is an exhibition of work by staff and students of Central Saint Martins, BA Jewellery Design course. For a second year running, the designers are delighted to be returning to show at Vitsœ in Munich. The exhibition follows on from a series of projects where staff and students have displayed their work together in a celebration of the diverse and lively approach to contemporary jewellery and objects.
BA Jewellery Design approaches the subject of jewellery as a conversation between body and object, with originality and innovation at its heart. Based in the centre of London, we enjoy superb links with industry and encourage our students to engage with the wider social contexts of their work while developing their own creative practices and a diverse set of technical skills.

 

with :  Anna Tuhus — Ariel Yi-Chen Tsai — Carola Solcia — Caroline Broadhead — Chloe Valorso — Coline Assade — Elena Bonanomi — Emily Grimble — Erica Heng — Florance Tebbutt — Giles Last — Jasleen Kaur –  Jing Jiang — Katy Hackney — Kigen Kamijima — Lin Cheung — Lucie Davis — Lucie Gledhill — Maria Militsi — Marlene McKibbin — Max Warren — Melanie Georgacopoulos — Michelle Lung — Miho Ishizuka — Naomi Filmer –  Sam Rodway-Smith — Scott Armstrong — Scott Wilson — Silvia Weidenbach –  Stacey Huang — Veronika Fabian — Yayun Fang — Yichen Dong

Lucie Gledhill, rope necklace cut out – ‘rope is patient’ – a 4 meter rope chain made from 2 kilos sterling silver

Lin Cheung   – delayed Reactions – Confused 2017  Brooch, Carved Lapis Lazuli, gold

 Melanie Georgacopoulos, Necklace

Veronika Fabian, Leather Chains

Elena Bonanomi, Binary Finery 1

Marlene Mckibbin -  ‘adoorable’

Lucie Davis, Enamelled Price Pins

Stacey Huang, Buy one get one free

Yayun Fang, Mary’s Veil

 Veronika Fabian, Jewellery is my best friend

Chloé Valorso

Chloe Valorso, Eyes

Naomi Filmer – object

Caroline Broadhead  « Dropped Necklace »

Maria Militsi, Equestrian

 

Vitsoe
Türkenstraße 36

80799 Munich
Mon- Fri 10:00–19:00, Sat 10:00–18:00, Sun 11:00–19:00
csmbajewellery.wordpress.com

 

Enregistrer

Enregistrer

Enregistrer

EXPO ‘Triple Parade Exhibitions’ – SHENGXI Art Museum, Tianjin / Gauguin Gallery, Beijing (China) – 10 Nov. 2016-16 Janv. 2017

«Triple Parade Exhibitions» 

SHENGXI Art Museum at Tianjin (China), & then Gauguin Gallery at Beijing

Triple Parade in Tianjin: 10th.NOV – 10th.DEC. 2016
Location: Shengxi Museum of Fine Arts, Tianjin

Triple Parade in Beijing: 17th.DEC.2016 – 16th.JAN.2017
Location: Gauguin Gallery Beijing, Wangjing SOHO.

The main exhibition TRIPLE PARADE 2016 -  Dialogue Across You and Me to Them: Creator, Wearer, Viewer  – Central Traveling Exhibition Represented 110 jewellery designers & artists from 14 countries.

The Triple Parade 2016 international annual exhibition is a cultural exchange which is expanded between China and the rest of the world on a multitude of level, devoted to the hardcore awakening in jewellery design, with a very open and contemporary-oriented approach by focusing on the concept of dialoguing.

The pervious themes were: Triple Parade 2015 – Dialogue across Three Countries, Triple Parade 2014 – Dialogue across Three Generations. This year, the term Dialogue across You and Me to Them: Creator, Wearer, Viewer in our theme is vitally important marks the notion of social interaction. We believe that the significance and multiple capacities of the dialogue mark have not been truly recognized. Each of the three roles in a dialogue, which are briefly introduced in the plate sections devoted to them, addresses one perspective on how  » Dialogue » plays a progressive position in the contemporary jewellery design of our period. Jewellery examines how we define self, integration and segregation, the means used for communication – and how these issues are reflected in creative work.

the artists and designers will be part of this year’s TRIPLE PARADE Central Exhibitions are:
Karin Johansson — Paul Derrez — Lin Cheung — Dinie Besems — Kim Buck – Lauren Kalman — Ezra Satok-Wolman — Katja Prins – Joo Hyung Park — Sofie Boons — Chiara Scarpitti – Trinidad Contreras — Aisegul Telli — Ana Filipa Braganca — Gular Mustafa — Dukno Yoon – Hester Popma-Van De Kolk — Joson Thomson – Juan Harnie – Marie-Louise Kristensen –  Marion Delarue — Minna Karhu — Ruta Naujalyte – Sangji Yun — Sara Gackowska — Lee Yojae — Lee Myungjoo — Hong Kyunghee — Zixuan Feng — Zheng Yu — Haiming Ren — Dingchen He — Zhicheng  Zhou — Wei Zhou — Jingyao Sun — Ye Zhang — Yiping Zeng — Danyi Zhu — Yuxuan Zhu — Anqi Li — Heng Li — Wenqian Li — Muzi Li — Dongdong Zhuang — Jie Sun — Jing Li — Guangyao Yang — Xiao Liang — Yanli Duan — Hangchen Duan — Jinwei Chi — Zhaokun Wang — Jun Hu — Bai Xie — Yi Zhao — Xinan Yu — Hui Guo — Xiaodai Huang — Zhaodan Zhang — Kui Shu — Shijian Zhao — Peter Rust — Kirsi Manninen — Anne Bader — Shaofei Zhang & Qian Wang — Ying Jiang — Lin Ju — Yin Chang — Wenqi Xu — Hongyu Xu — Yan Li — Wenqian Li — Feiyu Lin — Liyin Wang — Weiming Lu — Ma Lu — Quanxia Chen.

Ra Gallery Selection:   Sam-Tho Duong — Monique Vierling — Julian Steimer — Noon Passama — Thanh Truc Nguyen — Floor Mommersteeg — Bogki Min — Peter Hoogeboom — Mirjam Hiller — Karin Herwegh — Hartog & Henneman — Hilde Foks — Reka Fekete — Sarah Enoch — Sylvia Blickman — Paul Derrez.

K.A.U. COLLECTION Selection: Ted NOTEN — Lucy SARNEEL — Birgit LAKEN –Peter HOOGEBOOM — Willem HONING — Gemma DRAPER — Warwick FREEMAN — Bettina SPECKNER — Marc MONZO — Georg DOBLER.

 » TRIPLE PARADE 2016 will open its door at 10th NOV in Tianjin in China, it embraced the aspirations in a great ambition, setting up an intensive program consisting of exhibitions, publication, workshops, forum, lecture, which included dialogues with international collaboration partners from Netherlands, United States, United Kingdom, China, Denmark, Spain. The exhibition represented an enormous challenge to everyone involved in purely quantitative terms: with over 260 works by more than a hundred designers and artists from 14 countries. 11 experts from 8 countries have been exclusively invited to be in Tianjin as speaker on the Design Forum. The publication consists of 7 groups of interviews, including 14 experts on board, giving perspectives from education, collecting, creating, curating, wearing, and dealing on contemporary jewellery design. I am confident that it will open up new perspectives on the giant, and I would like to invite all the visitors to discover the greatly relevant designs from a field so full of surprises, with such a future ahead of it. » Jie Sun (founder of Triple Parade)

 

 

* Shenxi Art Museum
12 Nancheng street
Nankai District -  Tianjin
CHINA

 

* Gauguin Gallery
Wang Jing S O H O Zhong Xin T 2
chaoyang Qu -  Beijing
CHINA

 

Enregistrer

Enregistrer

Enregistrer

EXPO ‘FINDING – Central St Martins BA Jewellery design’ – The Foundling Museum, London (UK) – 14 Nov. 2014 – 30 Janv. 2015

FINDING
CENTRAL SAINT MARTINS BA JEWELLERY DESIGN
a project at THE FOUNDLING MUSEUM

Finding is a project by eight students and three members of staff of the BA Jewellery Design course at Central Saint Martins with the aim of explore the archives and the museum’s collections of the Foundling Hospital. With this starting point each artist developed a piece that represents the opposite feelings that the collection awoke

 

with : Caroline Broadhead, Lin Cheung, Fiona Chong, Gabriella Garnham, Rosie Greener, Haya Luttfullah, Maria Militsi, Wizal Xinyn Wang, Harriet Williams, Pnyuan Yang, Scarlett Zhang

 

The history of the Foundling Hospital is rich and engaging. It is of especial interest to those eager to explore the power of objects to denote an emotional connection. The main aim of this project was to use the collection to initiate creative responses and through this exhibition to contribute to a growing awareness of the Museum’s significance. Eight students and three members of staff of the BA Jewellery Design course at Central Saint Martins have explored the archives and the museum’s collections to develop ideas for a piece of jewellery. Another aim of this extra curricula project was to have a chance for students and staff to work together as equals. In addition, the project included two ‘Tokens of Identity’ workshops, conceived by the jewellery students and delivered to schoolchildren from Maria Fidelis School and Haverstock School, which allowed them the opportunity to impart their findings and enthusiasms to younger learners.
There are many narratives about the Foundling Hospital’s history that are compelling, strong themes of abandonment, regimented living, the lack of intimacy and affection, loss of identity and systems of renaming. The central part of the museum’s collection are the tokens that were left as a lasting, but largely undisclosed, connection of a parent to a child and these are eloquent mementos of their separation. These range from buttons, coins, keys, snippets of ribbon and textiles and even bits of jewellery, all of which could have served to unite a parent and a child long after babyhood. With such a wealth of stories it is impossible not to compare present day attitudes and circumstances to these histories and our discussions have included changes in attitude towards children then and now and how different countries take care of their abandoned children.
Jewellers have a strong awareness of the ability of small, closely held objects to convey the value of a relationship, a locket containing a portrait or lock of hair, a piece that has been gifted or handed down are classic examples. Each participant has produced a piece that expresses both the positive and the negative feelings the collection elicits – of abandonment and belonging, uniformity and individuality, the loss of identity and the chance for a new life. 
 

Fiona Chong Neckpiece: Revalued, 2014 Brass, copper, aluminium, nylon

Inspired by the foundling tokens, I focused on the way marks can express loss and act as distinctive identifiers. I embossed scrap pieces of metal, collected from our school’s jewellery workshop, with quotes from the Foundling Voices interviews with former pupils and made each into an individual piece of jewellery.

 Gabriella Garnham Piece: Who Are We?, 2014 Engraved, Silver plated brass In the eighteenth century foundlings were unable to discover their real identity. As technology has developed, I imagined how this might change in the future; a child might receive their DNA markers at birth, represented by a unique sequence of Emojicons, which would then be traceable.

 Lin Cheung Piece: Pinpoint, 2014 Giclée print Secure but easily undone, the pins that held the textile tokens in the billet books, inspired me to have one tattooed on my body – a permanent attachment that cannot be undone

Puyuan Yang Piece: X, 2014 Found rubber ball I thought the cross that substituted a signature on one of the registry documents summed up the lack of clear identity of a foundling and marked the estrangement from their past. I found objects in the street and reworked them into crosses, this one from a rubber ball.

Scarlett Zhang Necklace: Nothing to Hold on to, 2014 Gold Plated Brass, leather Each foundling left the Foundling Hospital with a small suitcase with few possessions. These were the start of a new life, which may have been difficult without the emotional strength to manage this. To reference this, the suitcase and its handle are separate on my necklace.

 

THE FOUNDLING MUSEUM
40 Brunswick Square
WC1N 1AZ -  London
UNITED KINGDOM
Mail: [e-mail]

Admission £7.50 (Tuesday-Saturday: 10:00-17:00, Sunday: 11:00-17:00, Mondays: Closed)

Catalogue edited by Lin Cheung and introduction by Caroline Broadhead.

EXPO ‘THE RING – jewel forever’ – Hnoss Gallery, Gothenburg (Sweden) – 9 Sept.-9 Oct. 2011

THE RING – the most common piece of jewellery can be full of meaning, a personal statement sometimes showing itself as a technical miracle or purely decorative and beautiful. It can demand attention, be an invitation to play, be filled with tears and secrets – and is to be worn for one day or for ever.
In homage to the ring Galleri Hnoss has invited all the jewellery artists exhibited in the gallery since the start in 1997 to produce one ring each. The result is now to be seen in the exhibition THE RING – jewel forever. The show consisting of over one hundred rings is a vibrant collection of different expressions, thoughts and forms

In connection with the exhibition on September 9 we are also arranging aseminar : The Ring – jewel forever. The theme is the ring seen from different perspectives. We are very proud to announce the speakers: Anna Schetelich from Galerie Oona, Germany, Professor Otto Kunzli, Germany, and Manuel Vilhena, jewellery artist from Portugal. Moderator is Love Jönsson, crafts critic and guest lecturer at HDK, University of Gothenburg. The seminar is a collaboration between Galleri Hnoss and the Department of Jewellery Art at HDK, with support from Gothenburg Crafts Association, Estrid Ericsson’s Foundation, Wilhelm and Martina Lundgren Fund, and the family Wikanders Foundation.

Artist list:
Ingierd Hanevold, Norway — Lena Bergestad–Jonsson, Sweden — Per Suntum, Denmark — Kim Buck, Denmark — Christer G. Jonsson, Sweden — Peter De Wit, Sweden — Otto Künzli, Germany — Andreas Treykorn, Germany — Verena Siber-Fuchs, Swizerland — Margareth Sandström, Sweden — Karin Johansson, Sweden – Sigurd Bronger, Norway — Esther Knobel, Israel — Tore Svensson, Sweden — Anette Kraen, Denmark — Beppe Kessler, Netherlands — Mona Wallström, Sweden — Ari Turunen, Finland — Synnøve Korssjøen, Norway — Konrad Mehus, Norway — Onno Boekhoudt, Netherlands — Ulrika Swärd, Sweden — Rian de Jong, Netherlands — Christoph Zellweger, Switzerland — Helena Lehtinen, Finland — Helena Sandström, Sweden — Jamie Bennett, USA — Lotta Åström, Sweden — Karen Ihle/ Jens Eliasen, Denmark — Johanna Dahm, Switzerland — Petra Schou, Sweden — Adam Paxon, Scotland — Bruce Metcalf, USA — Eva Dora Lamm, Denmark — Ruudt Peters, Netherlands — Barbara Paganin, Italy — Kasia Gasparski, Denmark — Annelies Planteydt, Netherlands — Kadri Mälk, Estonia — Lena Olson, Sweden — Tarja Tuppanen, Finland — Manuel Vilhena, Portugal — Castello Hansen, Denmark/Sweden — Gijs Bakker, Netherlands — Cecilia Johansson, Sweden — Gunilla Grahn, Sweden — Vera Siemund, Germany — Karl Fritsch, Germany — Nel Linssen, Netherlands — Margaret West, Australia — Lars Sture, Norway — Kerstin Ringedal, Sweden — Fabrice Schaefer, Switzerland — Lucy Sarneel, Netherlands — Elise-Ann Hochlin, Norway — Georg Dobler, Germany — Katja Prins, Netherlands — Ramon Puig Cuyás, Spain — Xavier Monclús, Spain — Mah Rana, England — Peter Bauhuis, Germany — Silke Trekel, Germany — Terhi Tolvanen Finland/Netherlands — Svenja John, Germany — Jivan Astflack, England — Anna Unsgaard, Sweden — Charlotte Sinding, Sweden — Sonia Morel, Switzerland — Pia Aleborg, Sweden — Marc Monzó, Spain — Andi Gut, Switzerland — Anna Martinsson, Sweden — Ulrich Reithofer, Austria/Netherlands — Peter Hoogeboom, Netherlands — Mari Ishikawa, Japan/Germany — Annika Åkerfelt, Sweden — Karin Seufert, Germany — Peter Scubic, Austria — Lina Petersson, Sweden/England — Sara Borgegård, Sweden — Erik Kuiper, Netherlands — Ineke Heerkens, Netherlands — Bettina Speckner, Germany — Sebastian Buescher, England/Tyskland — Warwick Freeman, New Zealand — Iris Neuwenburg, Netherlands — Jiro Kamata, Germany/Japan — Anne-Marie Bernhardt, Sweden — Hanna Hedman Sweden — Lin Cheung, England — Bas Bouman, Netherlands — Birgit Laken, Netherlands — Norman Weber, Germany — Gemma Draper, Spain — Kristi Paap, Estonia — Alexander Blank, Germany — Klara Brynge, Sweden — Mia Maljojoki, Finland/Germany — Jenny Klemming Sweden — Jantje Fleischhut, Netherlands — Mikiko Minewaki, Japan — Carolina Claesson, Sweden — Linda Marie Karlsson, Sweden — Maria Ylander, Sweden — Åsa Christensson Sweden

Onno Boekhoudt (NL) – ring – Mixed media

Peter Hoogeboom  –  Bruce Metcalf  

 Jiro Kamata  –  Gijs Bakker

Ramon Puig Cuyas  —   Ruudt Peters

Bettina Speckner –  Johanna Dahm

Marc Monzo  –  Synnove Korssjoen

Jenny Klemming  –  Nel Linssen

Annika Åkerfelt  –    Katja Prins

Barbara Paganin  –  Ineke Heerkens

Fabrice Schaefer  —   Birgit Laken

Beppe Kessler  –   Christoph Zellweger

 

Esther Knobel  —   Hanna Hedman

Anette Kræn  –  Kim Buck

Manuel Vilhena  —   Lena Olson

Mia Maljojoki  —   Otto Künzli

Mari Ishikawa  –  Petra Schou

Sigurd Bronger  —   Terhi Tolvanen

Rian de Jong  --  Verena Sieber-Fuchs

 
Tore Svensson  —   Kerstin Ringedal

Andreas Treykorn  —   Andi Gut

Carolina Claesson  –  Charlotte Ho Sook Sinding

Annelies Planteydt  –  Castello Hansen

Ingjerd Hanevold  –  Eva Dora Lamm

Helena Sandström  –  Helena Lehtinen

Jens Eliasen  –  Kare Ihle

Kristi Paap  –  Mona Wallstöm

Lucy Sarneel  —   Jivan Astfalck

Lina Peterson  –  Karin Seufert

Lotta Åström  —   Kasia Gasparski

Mikiko Minewaki  —   Linda Marie Karlsson

Norman Weber  —   Per Suntum

Pia Aleborg  —   Silke Trekel

Peter Bauhuis  —   Peter de Wit

Sara Borgegård Älgå  —   Tarja Tuupanen

Erik Kuiper —   Xavier Monclús

Kadri-Mälk  —   Ulrika Swärd

Anne-Marie-Bernhardt  —   Alexander Blank

Georg Dobler   —   Peter Skubic

Jantje Fleischhut  –  Adam Paxon

Gemma Draper  –  Lin Cheung

Hnoss Gallery
Konstepidemin
413 14 – Gothenburg
Sweden
Telephone: [phone]
Fax: [phone]

re-lecture du bijou ancien : plus blanc que blanc ….

Amy TAVERN, Anya KIVARKIS, Constanze SCHREIBER, Lin CHEUNG, Uli RAPP …… Nouveau regard -de femme?- sur ce qui faisait la fierté des coffrets à bijoux d’antan : camées, chevalières, broches à noeud-noeud, rangs de perles, breloques zé pendeloques …. le tout passé au « ripolin », blanchi, comme on blanchi l’argent, pour lui donner une nouvelle vie, une nouvelle « honorabilité », une nouvelle « virginité », laquelle virginité ne peut se traduire « que » par du blanc ….. un monde qui semble neutre, à la Martin Margiela, tout blanc, tout « propre », comme une nouvelle page blanche sur laquelle tout peut s’écrire, s’inventer, s’imaginer …..

Martin Margiela bague ‘structure’ – 2008- la pierre n’est plus qu’un souvenir… comme sur ces bagues de « Ufo Products » Acrylic Cube Diamond Rings

Amy TAVERN (US) – My most recent body of work chronicles my interest in graffiti and historical jewelry. I find graffiti’s colors, patterns, and symbols, as well as the sense of rebellion and history it conveys, to be fascinating. I am also captivated by layered and chipped paint, rust, and other forms of architectural decay often found alongside graffiti. My experiments with spray paint on metal are direct results of these interests. For this current series I also turned to antiquated styles of jewelry from the Renaissance and Victorian eras, among others, for design inspiration. I wanted to create thought-provoking jewelry by combining the refined with the urban. This body of work is a conclusion to all of these experiments  as applied to traditional forms of jewelry like the necklace, the earring, and the brooch.
website  : http://www.klimt02.net/jewellers/index.php?item_id=10449
http://amytavern.com/

Amy Tavern – necklace, sterling silver, spray paint- 2009 — earrings ,untitled,  sterling silver, spray paint – 2009

Anya KIVARKIS (US) creates jewelry that embraces Victorian style ornamentation while eschewing its historical context. Her work is full of dripping, deformed pieces that seem antique-yet-contemporary, mangled-yet-exquisite.
Les créations de l’américaine Anya Kivarkis font le lien, entre période ancienne – principalement de style Victorien – et contemporaine. Ses pièces détournent les images du luxe et de la joaillerie pour n’en laisser paraitre que l’illusion ; les pierres précieuses sont ici réduites à leur seule forme. Son travail est présenté pour la première fois en France à l’exposition « l’Education sentimentale » à l’espace Solidor, Cagnes-sur-mer. (voir la TRES intéressante présentation de l’expo faite par Christian Alandete, que je cite dans l’article présentation de l’exposition « l’Education sentimentale »)

Anya KIVARKIS – brooch ‘Gilles legare sketch’ 2006 – silver, enamel … –  Untitled #4 brooch from the ‘Blind Spot series’ 2007 – silver, enamel 

Constanze SCHREIBER (DE) – « Nearly all of my works are inspired by antique jewellery pieces. At this moment (2006) I focus mainly on pieces out of the 19th and early 20th century. Their beauty and power fascinate me and I am intreged by their symbolic meanings.The symbolic meanings make the pieces so powerfull for me. They had a function in their time. By saying this I think of the protective amulets or the memento mori pieces, that remainded the wearer of his or her mortality. The symbols keept their meanings through the centurys. I believe that there is a crutial truth in the symbols and archetypes of the past that still is valid today. I see them as attempts of the human beeing to give a form to essencial themes as love, live and death. In my works I am searching for a contemporary continuation of traditional jewellery pieces.  » (Klimt02.net)
website : www.constanzeschreiber.com

Constanze Schreiber necklace ‘renske’ 2009 silver, copper, gold, silk– necklace ‘Elisabeth’ 2005 – fur, silver, lead (fourrure utilisée : astrakan = agneau mort-né. Un hasard ?)

Lin CHEUNG (UK) – Les bijoux de la britannique Lin Cheung s’inscrivent dans une réflexion sur les relations que chacun entretient avec ses bijoux. En s’appuyant sur des standards anciens, elle parvient à créer des bijoux nouveaux : une boucle d’oreille en forme de perle dorée ou un pendentif en forme de coeur sont par exemple laissés dans leurs écrins ouverts pour transformer le tout, écrin+pendentif, en broches. Et les titres donnésà ses bijoux parlent bien de 2ème vie : « wear again », »hidden value », ….

« The focus for my making is about communicating an observation from the ordinary and extraordinary life around us. It analyses our relationships with each other and our relationships with the meaningful objects we own and use in our daily lives. It also questions the subject of jewellery, teasing out our relationships with it: what we wear and why we wear it. The ‘unique value’ associated with jewellery, be it intrinsic, inherent, perceived or added to jewellery through the owning and wearing of it informs my recent work and is the basis for further research. From these lines of enquiry, I begin to shape ideas into wearable and usable pieces with renewed meaning. » About the ‘Hidden value’ serie (2006) : «  Lockets are symbols of sentimental value, often containing a photograph or a lock of hair from a loved one. Whether a locket is full or empty, the perception of preciousness is in the concept of the locket itself : believing that it should contain something of value. Whether the lockets of this necklace are full or empty is of no consequence to the final meaning, either way, the value remains hidden. »
website : http://www.lincheung.co.uk/main.htm

Lin Cheung – « wear again » brooches –
Uli RAPP – multi-chains necklace, screenprinted textile with rubber backing – 2009

Uli RAPP – Amsterdam based artist, Uli Rapp has created some contemporary jewelry by screenprinting onto fabric and rubber. Her inspiration comes from classic 16th century designs. She also designs fabric using old and new printing techniques.
c’est la mort du « bling-bling » ! même les chaines d’or ne sont plus qu’une « impression », et sur plastique de surcroît !

EXPO ‘ L’Education sentimentale ‘- Espace Solidor, Cagnes-sur-mer (FR) -27 février – 23 mai 2010

L’Espace Solidor de Cagnes sur Mer propose, à partir du 27 février, une nouvelle exposition de bijoux de créateurs contemporains :  “L’Education sentimentale”, en référence au roman de Flaubert où le narrateur doit se tailler son propre chemin sans se laisser influencer par les idées préconçues. Les sept artistes internationaux présentés puisent leur inspiration dans le répertoire de formes de la bijouterie traditionnelle et repensent leurs modèles en fonction des caractéristiques du monde actuel.

Les créations de l’américaine Anya Kivarkis font le lien, entre période ancienne – principalement de style Victorien – et contemporaine. Ses pièces détournent les images du luxe et de la joaillerie pour n’en laisser paraitre que l’illusion ; les pierres précieuses sont ici réduites à leur seule forme. Son travail, présenté pour la première fois en France, à déjà fait l’objet de nombreuses expositions aux Etats-Unis. Les bijoux de la britannique Lin Cheung s’inscrivent dans une réflexion sur les relations que chacun entretient avec ses bijoux. En s’appuyant sur des standards anciens, elle parvient à créer des bijoux nouveaux : une boucle d’oreille en forme de perle dorée ou un pendentif en forme de coeur sont par exemple laissés dans leurs écrins ouverts pour les transformer en broches.

Anya Kivarkis, « DOUBLE CUP » brooch

Si les pièces de la suédoise Åsa Lockner ont l’apparence de bijoux classiques, elles n’en révèlent pas moins de menues imperfections, des parties inachevées, des traitements d’oxydations particuliers … Ces “défauts” délibérés traduisent la volonté de rendre perceptible le « process » de fabrication et de révéler les subtilités de la métamorphose progressive du métal selon son degré d’échauffement. Ses bijoux semblent en évolution permanente. Récemment diplômée des Arts Décoratifs de Strasbourg, la française Carole Deltenre part, elle, de formes traditionnelles comme le camée ou la chevalière. Mais c’est pour écrire une histoire du bijou passée par le prisme des combats féministes et la réappropriation de leur corps par les femmes.

Carole Deltenre, ‘Nymph’ Brooch

La néerlandaise Gesine Hackenberg prélève dans des pièces de céramiques usuelles des détails qui constituent les éléments de ses bijoux. Ses créations sont les éléments d’un puzzle dont les pièces sont indissociables de l’objet dans lequel ils ont été prélevés et forment un ensemble que la créatrice expose toujours de manière conjointe. Éloigné de l’esthétique dominante dans le bijou contemporain espagnol, Marc Monzó, pour sa part, préfère une réinterprétation d’une esthétique produite en Catalogne entre les années 30 et 70. Son travail associe souvent des matériaux précieux à des bouts de plastiques récupérés. Il s’agit de faire entrer le bijou dans la vie quotidienne !

Gesine HACKENBERG – collier céramique

Les pièces sélectionnées à Cagnes-sur-Mer portent toutes un regard ironique sur la bijouterie précieuse et sa valeur symbolique.

Travaillant à partir d’images photographiques anciennes, l’allemande Bettina Speckner suscite la libre interprétation de chacun car elle ne donne aucune indication sur les lieux, l’époque, l’identité des personnages. Associées à des perles, des pierres précieuses ou des objets du quotidien, ces images/bijoux ouvrent les portes d’une mémoire collective où chacun peut projeter son propre parcours.

(merci pour l’information -et l’article- au blog « Notes Précieuse« -  parce que sinon, AUCUNE information nulle part ailleurs ! comme si tout ce qui concernait le bijou contemporain en France devait rester secret …..  rien sur culture.fr, le « portail » de la culture … , rien sur le/les sites de Cagnes-sur Mer …. si ! après moult recherches, enfin une information sur  http://www.cagnes-sur-mer.fr/  (dossier de presse disponible) aaah ! quel soulagement !)

 

présentation par Christian Alandete :
L’éducation sentimentale – Répertoire de formes pour une histoire du bijou contemporain
- repertory of forms for an History of contemporary jewellery – L’Education Sentimentaleis is an exhibition initiated by Christian Alandete.
« Le bijou contemporain a fait l’objet de nombreuses spéculations esthétiques depuis sa sécession du champ de la bijouterie traditionnelle. Si la grande Histoire du bijou contemporain reste encore à écrire, celle de la bijouterie traditionnelle a, d’un point de vue, tant esthétique, technique, qu’historique, fait l’objet de multiples publications et offre des points de référence qui servent aujourd’hui d’appuis au travail de nombreux bijoutiers contemporains, privilégiant la réinterprétation de formes anciennes ou puisant dans des oeuvres du passé une manière de repenser le présent.Dans le champ élargi des arts visuels, la question théorique de la fin de la modernité et sa quête de formes toujours nouvelles a laissé la place à une relecture contemporaine de formes historiques aujourd’hui communes, qui, à l’instar de la littérature cherche moins à inventer qu’à se réinventer à partir d’une langue partagée. Ainsi des artistes originaires de régions culturelles très différentes puisent dans un même répertoire formel les bases d’une pratique artistique, devenue en quelque sorte générique, dont les sources relèvent plus de l’expérimentation des différentes avant-gardes historiques que des contextes géographiques particuliers.

Dans le champ du bijou contemporain, de plus en plus d’artistes puisent à leur tour dans un répertoire de formes que la bijouterie a constitué depuis ses origines, pour en dégager la charge symbolique, rappelant combien le bijou est non seulement affaire de formes mais aussi et surtout de signes. Une alliance, une chevalière, une boucle d’oreille, un camée, une parure, chaque typologie de bijoux porte en elle des significations particulières que les bijoutiers contemporains s’attachent à détourner pour mieux en révéler les mécanismes à l’œuvre dans le jeu des relations sociales. Procédant par modifications d’échelles, collusion de périodes historiques contradictoires, additions de formes, recyclage ou réassignations sociales, les artistes de l’exposition nous invitent à repenser l’histoire, non plus selon un axe linéaire mais sur un mode cyclique, dans lequel les évènements se répètent toujours, sans toutefois jamais être tout à fait les mêmes. Ainsi, les formes du passé resurgissent dans le présent, nous évoquant des objets familiers sans qu’il soit pour autant possible d’en déterminer totalement l’origine.

À ce titre, les travaux de Gesine Hackenberg et Bettina Speckner ouvrent les portes d’une histoire à la fois collective et individuelle, faite de souvenirs incertains. La première propose un rapprochement entre le bijou et les objets du quotidien en prélevant dans des céramiques usuelles anciennes, les détails qui serviront à façonner le bijou. La seconde, en empruntant des images photographiques anonymes, construit une fiction dans laquelle chaque bijou est une pièce d’un vaste puzzle où personnages, lieux et paysages se rencontrent, laissant à la libre interprétation de chacun les possibles liens qui pourraient les réunir. Elles pointent ainsi le rapport singulier qu’entretient le bijou avec l’histoire familiale où traditionnellement, le trésor de guerre amassé par les mères était transmis, d’une génération à l’autre, à leurs filles. Dans le modèle de société patriarcal, qui a longtemps privilégié le masculin comme unique héritier (et du patronyme et du patrimoine), les femmes ont maintenu ainsi une forme de passation parallèle par le biais des bijoux.

Carole Deltenre explore à son tour cette histoire des femmes en se réappropriant la chevalière (un des rare bijoux exclusivement masculin). De cette bague, sur laquelle sont habituellement gravées les armoiries de la famille et qui servait à cacheter à la cire, courriers et contrats, elle en propose une version au féminin, remplaçant les emblèmes par un moulage de clitoris. Elle nous rappelle ainsi le long combat des femmes pour l’égalité devant la loi et le droit de disposer de leur propre corps.

Les pièces d’Anya Kivarkis, elles, trouvent leurs sources à la fois dans une histoire classique des formes (souvent empruntées à la période victorienne) et dans un réinvestissement de l’ornementation. L’éducation artistique a longtemps consisté à approcher les maîtres en les copiant au point de maîtriser leurs techniques. Chez Anya Kivarkis, il s’agit moins de reproduire les pièces elles-mêmes que de partir de reproductions qui seraient passées par le filtre appauvrissant de l’image documentaire. Elle imagine ainsi des combinaisons de formes dont on pourrait aisément retrouver les sources dans les ouvrages historiques bien qu’elle prenne soin d’en évacuer délibérément les caractéristiques physiques pour n’en conserver plus que la matrice. Aussi, ce qui devait être à l’origine une composition de pierres précieuses colorées disparaît, dissoute sous une couche homogène d’émail.

Ce rapport du bijou à sa surface est plus encore mis en jeu dans le travail d’Åsa Lockner avec une préférence pour l’époque baroque et ses débauches de courbes et d’entrelacements. Cette fois les formes semblent familières, mais n’ont aucun référent historique. Ici, il importe moins de réinvestir un répertoire de formes identifiables que d’en adopter le style au point de le transposer dans le processus même de fabrication. Ses pièces apparaissent alors dans un certain état d’inachèvement, comme si l’artiste avait souhaité rendre visibles tous ses tâtonnements. Ses pièces révèlent ainsi les multiples variations d’aspects, que le métal a imprimé, suite aux différents traitements d’échauffement et d’oxydation qu’elle lui a fait subir.

Marc Monzó et Lin Cheung proposent une approche qui peut sembler plus conceptuelle, chacun prenant, à sa manière, la mesure du bijou dans le champ social et en réinterroge le statut dans le jeu relationnel. L’utilisation de la bague solitaire chez Marc Monzó, pointe les contradictions d’une société faite de promesses illusoires et de faux-semblants. En augmentant, de manière outrancière, la taille d’un solitaire, qui peut alors être exhibé en broche, l’artiste souligne le caractère ostentatoire et le désir de reconnaissance (sociale) que le bijou peut combler. De même, en multipliant les occurrences d’un solitaire sur une même bague, il souligne l’évolution du couple moderne et son incapacité à pouvoir tenir ses voeux d’union éternelle. 

Lin Cheung privilégie une approche périphérique en interrogeant le système des bijoux. Dans la série des Wear Again, elle conserve des bijoux anciens dans leurs écrins ouverts, pour les transformer alors en broches, renvoyant le porteur à un rôle de vitrine. En l’absence d’une littérature conséquente sur le bijou, qui puisse être en mesure d’ouvrir un véritable débat critique et théorique sur son histoire, ses fonctions et ses usages, elle propose une bibliothèque idéale dans laquelle toutes les disciplines de la philosophie à la sémiologie en passant par l’histoire prendraient le bijou pour objet d’étude. Elle remplace ainsi les couvertures de livres référents par des jaquettes blanches qui conservent l’esthétique d’origine mais dont le titre a été adapté au sujet, ouvrant le champ des possibles d’une vaste littérature de la bijouterie qui reste à écrire.

Dans le roman de Flaubert, L’éducation sentimentale, auquel l’exposition emprunte le titre, le narrateur doit trouver son propre chemin dans l’histoire en tentant de faire tomber les idées préconçues que chaque milieu tente de lui imposer. De la même manière, les artistes rassemblés dans l’exposition naviguent entre des temps contradictoires, puisant dans un passé indéterminé, les bases d’un renouvellement de formes à minima et faisant par la même occasion voler en éclats les frontières entre les différents segments de la bijouterie »  Christian Alandete

Espace Solidor
Place du château – Haut-de-Cagnes
06800 CAGNES SUR MER
FRANCE
Téléphone renseignement public : 04 93 22 19 25
Téléphone administration : 04 9322 19 25
Télécopie : 04 93 22 19 09
courriel / email :  [e-mail]

chaque exposition qui a lieu à l’Espace Solidor est mise en ligne sur le site de la ville :
www.cagnes-sur-mer.fr, onglet “culture”.  (MERCI de cette précision donnée par le Centre Solidor ! )